#80. Back In The Saddle - Aerosmith
Album: Rocks (1976).
Letra y música por Joe Perry & Steven Styler.
Lírica clave: "I'm baaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaack!!!!!".
Desde que tengo registro de Aerosmith, Steven Tyler se ocupó muy bien de destrozar la reputación de la banda escupiendo sus ridículas power-ballads orientadas a la FM, una detrás de la otra, hasta que se hicieron incontables e imposibles de distinguir entre sí. No obstante, existió una época en la que Aerosmith era una respetable factoría de rockers anfetamínicos e irreverentes que el grueso del "público general" parece haber olvidado. Back In The Saddle nunca se publicó como single, y realmente no es material de single en absoluto. Si algún DJ desubicado optara por transmitir esta canción por la radio hoy en día, más de un oyente se pegaría un buen susto con la visceralidad desatada del bocón Tyler y ese ritmo galopante que machaca y machaca hasta que la canción se convierte, durante la extensa coda, en una pulpa deforme, carente de sentido. Lo sorprendente es que, salvando la intro pulsante de adrenalina, ni siquiera necesitan un riff propiamente dicho para ir llevando la canción a buen puerto: alcanza con ese fenomental revoltijo de guitarras bluseras, funky, hasta disonantes que le dan al tema un filo cruel que sería absurdo esperar de Aerosmith hoy en día. Sin dudas, una buena canción para recuperar la memoria (qué solemne suena esa frase).
#79. Superstition - Stevie Wonder
Album: Talking Book (1972).
Letra y música por Stevie Wonder.
Lírica clave: "Superstition ain't the way".
Ahí les va una obvia. Es milagroso como el infernal groove funky que transpira este tema está ahí ya con esos primeros y solitarios golpes de tambor. Pareciera que Stevie Wonder no necesita más que eso para hacerte mover el orto como un condenado, por eso cuando se suman los claves y los bronces, cada uno con su gancho inolvidable, la cosa de tan irresistible se convierte en un abuso. Lo irónico es que esta canción seminal (Michael Jackson y Prince esnifaron este tipo de cosas) fue originalmente escrita para Jeff Beck y solo gracias a la posterior recomendación del sello Motown fue lanzada por el propio Wonder como single (e incluída luego en Talking Book). Con su diatriba anti-superstición, la canción destila una calidad tan universal que se hace realmente difícil imaginar a qué tipo de lunático puede no gustarle (de todas maneras, hay de todo en la viña del Señor). En el mismo álbum se halla I Believe, otro gran clásico de culto de Wonder que bien podría haber integrado esta lista.
#78. It's A Fire - Portishead
Album: Dummy (1994).
Letra y música por Geoff Barrow, Beth Gibbons & Adrian Utley.
Lírica clave: "So breathe on, little sister. Breath on.".
Portishead es un dúo/trío reverenciado y vilipendiado por partes casi idénticas. Para poner un ejemplo, el famoso crítico yanki Robert Christgau le pone una sola estrella a lo que para mí es una de las grandes obras maestras de los 90, Dummy. ¿Es Robert Christgau un pelotudito feroz? ¿O soy yo? Ustedes juzgarán. El único objeto de jucio será la formidable It's A Fire, una canción simplísima que así y todo te obliga a dejar de hacer lo que estés haciendo para entregarte al placer de una melodía sin rumbo. Justamente, lo que me vuela la cabeza sobremanera es que It's A Fire no tiene ni estrofa, ni puente, ni estribillo, ni coda ni nada... Solo una única melodía vocal monolítica que avanza hacia el clímax en permanente cambio, que va entregando con suavidad un giro melódico detrás de otro, dejando al oyente casi sin respiro, en un estado de éxtasis y atención permanente. ¿Los arreglos? Un órgano, un bajo, un beat electrónico y se acabó. La atmósfera emocionante, profunda, litúrgica que logran Gibbons y Barrow con tan, pero tan poco es cosa de no creer. Nunca había escuchado un tema así y aún siento un extraño recogimiento cada vez que lo hago.
#77. Sabbath Bloody Sabbath - Black Sabbath
Album: Sabbath Bloody Sabbath (1973).
Letra y música por Black Sabbath.
Lírica clave: "Living just for dying, dying just for you".
Para cuando Black Sabbath grabó este quinto álbum, el patentado tono metalero de Tony Iommy ya no era ninguna novedad para nadie. Aún así, siempre es una experiencia intimidante escucharlo funcionar en toda su cilindrada, y este corte épico de 1973 es tal vez el ejemplo cúlmine del estilo de estos flacos. Lo más excitante del primer Black Sabbath es que si bien fundaron el sonido básico del heavy-metal, nunca le hicieron asco a su raigambre de "rock clásico"; por eso una composición como Sabbath Bloody Sabbath, aún pisoteando cabezas como un brontosaurio empastillado, no renuncia a matices y colores que las subsiguientes bandas del género optaron siempre por ignorar. Eso explica cómo un tema como éste, que arranca con un riffeo asesino, de pronto se resuelva en un estribillo acústico, bellamente melódico, de tintes country (!), para luego volver, con el doble de convicción, a ser una masacre. Este tipo de cosas que te llevan volando a lugares insospechados ponen a Black Sabbath más de un escalón por encima del resto de las bandas de heavy-metal, tan adeptas a los clichés y a la abulia. Algún purista desprevenido tal vez crea que, en el fondo, Black Sabbath es solo un embrión del heavy-metal y nada más: basta con escuchar esa guitarra reptante que surge a los tres minutos y veinte, para darse cuenta cuán equivocado es dicho mito.
#76. Straight Shooter - The Mamas & The Papas.
Album: If You Can Believe Your Eyes And Ears (1966).
Letra y música por John Phillips.
Lírica clave: "'Cause I'm a real straight shooter if you know what I mean".
A pesar de tener un nombre bastante estúpido, este cuarteto componía canciones bastante buenas. Todos conocen el clásico absoluto que es California Dreaming, y mucho más desde que hace unos años la reflotaran en un remix para bailar en boliches. En este caso, habiendo un tema que me parece igual de bueno, cometo la osadía de optar por el menos famoso. Straight Shooter, extraída del mismo álbum que California Dreaming, dispone de los exquisitos arreglos corales de Mama Cass Elliot y Michelle Phillips en su máxima expresión, solo que cortando el asunto con un filo netamente rockero. Si bien no es tan original como su hermana más conocida, ostenta una vibra aún más excitante gracias al impecable feeling blusero que le dan (usando un par de riffs sorprendentemente abrasivos para lo que acostumbra esta banda). Hay que ser de piedra para resistirse a la forma en que las voces se van montando una sobre otra, cada vez con mayor volumen, hasta explotar en esos gloriosos versos pop que conducen, irremediablemente, al éxtasis.
#75. In Every Dream Home A Heartache - Roxy Music
Album: For Your Pleasure (1972).
Letra y música por Bryan Ferry.
Lírica clave: "I blew up your body, but you blew my mind".
Para entender por qué Roxy Music es una de las diez o doce bandas más grosas de todos los tiempos hay que remitirse a los hechos. Estamos en 1972, apenas tres años después del ocaso de la generación de Woodstock. Salvando la incipiente escena del rock progresivo, cualquier banda más o menos mainstream de la época atinaba a tocar glam-rock, pub-rock, hard-rock, folk-rock y, en fin, lo que sea mientras fuera bien guitarrero y se basara en las vastas influencias folk y blues que habían florecido en la década anterior. Entonces aparecen estos muchachos, haciendo esto. Ni siquiera hoy se entiende bien qué es esto, pero podríamos decir que en 1972 estos tipos ya hacían música new-wave. Con su terrible atmósfera gótica, In Every Dream Home A Heartache es un excelente ejemplo del sonido aventurado que Roxy Music ya se animaba a explorar con todo desparpajo en tan tempranas etapas de la historia del rock. La melodía es repetitiva y escalofriante, apuntando directamente a los nervios del oyente. Ferry con su soberbia voz le canta a una muñeca inflable mientras las texturas libres florecen alrededor cual tejidos enfermos. El oyente a duras penas puede entender algo, pero la cosa lo va angustiando cada vez más. Hasta que explota todo. Una experiencia casi de otro planeta que prácticamente inventa el futuro. Aún hoy.
#74. South Side Of The Sky - Yes
Album: Fragile (1972).
Letra y música por Jon Anderson & Chris Squire.
Lírica clave: "We seemed from all of eternity".
Para quienes asocian el nombre de Yes con estériles devaneos instrumentales que no apelan a ningún tipo de emoción en el oyente, esta canción puede ser una grata sorpresa. Sucede que, aún durando ocho minutos, es increíblemente compacta para lo que suele ser la música de esta banda inglesa. South Side Of The Sky es algo así como el tema "ramonero" de Yes (si me permiten la infeliz metáfora); va directo al grano y no se empantana en esas complejidades absurdas que suelen tentar a los grupos de rock progresivo. Hasta qué punto esto es una virtud en sí misma es debatible; les habla alguien que en definitiva disfruta con Tales From The Topographic Oceans (uno de los álbumes más destrozados de la historia del rock). Pero en este caso, hasta los más escépticos tendrán que admitir que cuando se focalizaban y se dejaban de joder con barroquismos, los tipos se transformaban en una coalición rockera formidable. Y si no me creen escuchen atentamente como martilla ese inusual riffeo oscuro que toca Steve Howe. O la voz de Anderson, que por una vez logra sonar agresivo en vez de eunuco. Escuchen, escuchen con atención porque pocas veces Yes volvería a rockear con tanta vena a lo largo de su carrera (para no decir nunca más). La letra, además, trata acerca de los inconvenientes de congelarse hasta la muerte entre montañas heladas, una imaginería muy bien resaltada en ese majestuoso puente de piano y armonías vocales. Una de esas canciones de ocho minutos que pasan como si duraran cuatro. Perfecta, diría yo.
#73. Personal Jesus - Depeche Mode
Album: Violator (1991).
Letra y música por Martin Gore.
Lírica clave: "Reach out, touch faith!".
Y el ranking vuelve a recalar en una esas canciones que todo el mundo conoce. ¿Qué pasa? ¿No tiene sufientes buenas canciones Depeche Mode para tener que elegir justo esta? Ok, tendré que ser sincero: sí tienen buenas canciones (muchas), pero ninguna puede realmente compararse con ésta. Todo es perfecto. Es el dance-synth-pop perfecto. Oscura, pero repleta de ganchos memorables; simple, pero meticulosamente producida. A esto quería llegar Dios cuando creó a Kraftwerk y a Ultravox. Lo curioso de mi historia personal con esta canción es que llegué a ella a través de la versión de Marilyn Manson. Cuando escuché la original me llamó poderosamente la atención hasta qué punto los arreglos se basan en el puro ritmo, en una base llena de aire y espacios, sin una sola nota desperdiciada. Y aún así consigue rockear con una vena descomunal que muy pocos grupos de esta onda alcanzan (me vienen a la mente New Order y sus últimos dos álbumes, pero aún ellos tuvieron que incorporar mucha guitarra eléctrica para lograrlo). En todo sentido Personal Jesus es una proeza, una joya irrepetible e inimitable de la música pop, y el testimonio definitivo de que también las bandas electrónicas son capaces de hacer rock, en el sentido más amplio del término.
#72. Just Like Heaven - The Cure
Album: Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987).
Letra y música por Simon Gallup, Robert Smith, Porl Thompson, Laurence Tolhurst & Boris Williams.
Lírica clave: "Show me how you do it and I promise that I'll run away with you".
Uno de los atributos interesantes de The Cure es que así como de pronto podían ser los Señores de la Oscuridad y la Depresión, también eran expertos hacedores de singles pop sumamente pegadizos. Así es que la misma banda capaz de álbumes insoportablemente opresivos como Faith y Pornography, a medidados de la década de los 80 empezó a escribir temas indiscutiblemente "solariegos" como Close To Me, In Between Days, Why Can't I Be You y otros tantos que se convirtieron en clásicos. Entre ellos, el ápice está sin dudas en Just Like Heaven, single extraído del panorámico Kiss Me Kiss Me Kiss Me de 1987. Es más bien difícil explicar porqué me gusta tanto esta canción (por cierto, no soy el único como habrán adivinado). Más allá de esa exuberante introducción, la vocalización impacta más por su desesperada aura romántica que por tener una melodía repleta de ganchos. Y aún así, cuando se la ha escuchado varias veces, esa misma melodía ya nos resulta lo más natural del mundo. Si bien unos años después The Cure lograría una proeza al componer un tema muy similar y aún así igual de bueno (Friday I'm In Love), Just Like Heaven se mantiene incólume como el momento definitivo de The Cure en los 80's y tal vez de toda su carrera.
#71. Mr. Skin - Spirit
Album: The Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus (1970).
Letra y música por Jay Ferguson.
Lírica clave: "Mr. Skin, you know where you've been".
Aparantemente esta canción fue escrita en homenaje a Traffic, una de las bandas favoritas de Jay Ferguson. Si ese es el caso, déjenme decir que Mr. Skin es mucho más ajustada y entretenida que la mayoría de las cosas que hizo Traffic. Con su infernal ritmo de congas y sus trompetas monolíticas, esta memorable pieza - un híbrido de soul y funk ácido - es uno de los highlights absolutos de Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus, el álbum más celebrado de Spirit. Tal es así que incluso les reportó un hit radial de cierta importancia. Spirit es una banda relativamente oscura pero excelente que si bien apareció en la costa oeste de los Estados Unidos a finales de los 60's, nunca estuvo realmente asociada al flower-power ni a la lucha por los derechos civiles. Su mixtura de alta calidad entre psicodelia light, jazz y soul es uno de esos tesoros esperando ser descubiertos. Tal vez con un objetivo evangilizador, hace unos años la cantante pop Pink sampleó Fresh Garbage (un tema del primer álbum de Spirit) para su hit Feel Good Time. De todas maneras, hace falta ser alguien más que Pink para alcanzar la indiscutible potencia que logra Spirit aquí, en Mr. Skin.
Album: Rocks (1976).
Letra y música por Joe Perry & Steven Styler.
Lírica clave: "I'm baaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaack!!!!!".
Desde que tengo registro de Aerosmith, Steven Tyler se ocupó muy bien de destrozar la reputación de la banda escupiendo sus ridículas power-ballads orientadas a la FM, una detrás de la otra, hasta que se hicieron incontables e imposibles de distinguir entre sí. No obstante, existió una época en la que Aerosmith era una respetable factoría de rockers anfetamínicos e irreverentes que el grueso del "público general" parece haber olvidado. Back In The Saddle nunca se publicó como single, y realmente no es material de single en absoluto. Si algún DJ desubicado optara por transmitir esta canción por la radio hoy en día, más de un oyente se pegaría un buen susto con la visceralidad desatada del bocón Tyler y ese ritmo galopante que machaca y machaca hasta que la canción se convierte, durante la extensa coda, en una pulpa deforme, carente de sentido. Lo sorprendente es que, salvando la intro pulsante de adrenalina, ni siquiera necesitan un riff propiamente dicho para ir llevando la canción a buen puerto: alcanza con ese fenomental revoltijo de guitarras bluseras, funky, hasta disonantes que le dan al tema un filo cruel que sería absurdo esperar de Aerosmith hoy en día. Sin dudas, una buena canción para recuperar la memoria (qué solemne suena esa frase).
#79. Superstition - Stevie Wonder
Album: Talking Book (1972).
Letra y música por Stevie Wonder.
Lírica clave: "Superstition ain't the way".
Ahí les va una obvia. Es milagroso como el infernal groove funky que transpira este tema está ahí ya con esos primeros y solitarios golpes de tambor. Pareciera que Stevie Wonder no necesita más que eso para hacerte mover el orto como un condenado, por eso cuando se suman los claves y los bronces, cada uno con su gancho inolvidable, la cosa de tan irresistible se convierte en un abuso. Lo irónico es que esta canción seminal (Michael Jackson y Prince esnifaron este tipo de cosas) fue originalmente escrita para Jeff Beck y solo gracias a la posterior recomendación del sello Motown fue lanzada por el propio Wonder como single (e incluída luego en Talking Book). Con su diatriba anti-superstición, la canción destila una calidad tan universal que se hace realmente difícil imaginar a qué tipo de lunático puede no gustarle (de todas maneras, hay de todo en la viña del Señor). En el mismo álbum se halla I Believe, otro gran clásico de culto de Wonder que bien podría haber integrado esta lista.
#78. It's A Fire - Portishead
Album: Dummy (1994).
Letra y música por Geoff Barrow, Beth Gibbons & Adrian Utley.
Lírica clave: "So breathe on, little sister. Breath on.".
Portishead es un dúo/trío reverenciado y vilipendiado por partes casi idénticas. Para poner un ejemplo, el famoso crítico yanki Robert Christgau le pone una sola estrella a lo que para mí es una de las grandes obras maestras de los 90, Dummy. ¿Es Robert Christgau un pelotudito feroz? ¿O soy yo? Ustedes juzgarán. El único objeto de jucio será la formidable It's A Fire, una canción simplísima que así y todo te obliga a dejar de hacer lo que estés haciendo para entregarte al placer de una melodía sin rumbo. Justamente, lo que me vuela la cabeza sobremanera es que It's A Fire no tiene ni estrofa, ni puente, ni estribillo, ni coda ni nada... Solo una única melodía vocal monolítica que avanza hacia el clímax en permanente cambio, que va entregando con suavidad un giro melódico detrás de otro, dejando al oyente casi sin respiro, en un estado de éxtasis y atención permanente. ¿Los arreglos? Un órgano, un bajo, un beat electrónico y se acabó. La atmósfera emocionante, profunda, litúrgica que logran Gibbons y Barrow con tan, pero tan poco es cosa de no creer. Nunca había escuchado un tema así y aún siento un extraño recogimiento cada vez que lo hago.
#77. Sabbath Bloody Sabbath - Black Sabbath
Album: Sabbath Bloody Sabbath (1973).
Letra y música por Black Sabbath.
Lírica clave: "Living just for dying, dying just for you".
Para cuando Black Sabbath grabó este quinto álbum, el patentado tono metalero de Tony Iommy ya no era ninguna novedad para nadie. Aún así, siempre es una experiencia intimidante escucharlo funcionar en toda su cilindrada, y este corte épico de 1973 es tal vez el ejemplo cúlmine del estilo de estos flacos. Lo más excitante del primer Black Sabbath es que si bien fundaron el sonido básico del heavy-metal, nunca le hicieron asco a su raigambre de "rock clásico"; por eso una composición como Sabbath Bloody Sabbath, aún pisoteando cabezas como un brontosaurio empastillado, no renuncia a matices y colores que las subsiguientes bandas del género optaron siempre por ignorar. Eso explica cómo un tema como éste, que arranca con un riffeo asesino, de pronto se resuelva en un estribillo acústico, bellamente melódico, de tintes country (!), para luego volver, con el doble de convicción, a ser una masacre. Este tipo de cosas que te llevan volando a lugares insospechados ponen a Black Sabbath más de un escalón por encima del resto de las bandas de heavy-metal, tan adeptas a los clichés y a la abulia. Algún purista desprevenido tal vez crea que, en el fondo, Black Sabbath es solo un embrión del heavy-metal y nada más: basta con escuchar esa guitarra reptante que surge a los tres minutos y veinte, para darse cuenta cuán equivocado es dicho mito.
#76. Straight Shooter - The Mamas & The Papas.
Album: If You Can Believe Your Eyes And Ears (1966).
Letra y música por John Phillips.
Lírica clave: "'Cause I'm a real straight shooter if you know what I mean".
A pesar de tener un nombre bastante estúpido, este cuarteto componía canciones bastante buenas. Todos conocen el clásico absoluto que es California Dreaming, y mucho más desde que hace unos años la reflotaran en un remix para bailar en boliches. En este caso, habiendo un tema que me parece igual de bueno, cometo la osadía de optar por el menos famoso. Straight Shooter, extraída del mismo álbum que California Dreaming, dispone de los exquisitos arreglos corales de Mama Cass Elliot y Michelle Phillips en su máxima expresión, solo que cortando el asunto con un filo netamente rockero. Si bien no es tan original como su hermana más conocida, ostenta una vibra aún más excitante gracias al impecable feeling blusero que le dan (usando un par de riffs sorprendentemente abrasivos para lo que acostumbra esta banda). Hay que ser de piedra para resistirse a la forma en que las voces se van montando una sobre otra, cada vez con mayor volumen, hasta explotar en esos gloriosos versos pop que conducen, irremediablemente, al éxtasis.
#75. In Every Dream Home A Heartache - Roxy Music
Album: For Your Pleasure (1972).
Letra y música por Bryan Ferry.
Lírica clave: "I blew up your body, but you blew my mind".
Para entender por qué Roxy Music es una de las diez o doce bandas más grosas de todos los tiempos hay que remitirse a los hechos. Estamos en 1972, apenas tres años después del ocaso de la generación de Woodstock. Salvando la incipiente escena del rock progresivo, cualquier banda más o menos mainstream de la época atinaba a tocar glam-rock, pub-rock, hard-rock, folk-rock y, en fin, lo que sea mientras fuera bien guitarrero y se basara en las vastas influencias folk y blues que habían florecido en la década anterior. Entonces aparecen estos muchachos, haciendo esto. Ni siquiera hoy se entiende bien qué es esto, pero podríamos decir que en 1972 estos tipos ya hacían música new-wave. Con su terrible atmósfera gótica, In Every Dream Home A Heartache es un excelente ejemplo del sonido aventurado que Roxy Music ya se animaba a explorar con todo desparpajo en tan tempranas etapas de la historia del rock. La melodía es repetitiva y escalofriante, apuntando directamente a los nervios del oyente. Ferry con su soberbia voz le canta a una muñeca inflable mientras las texturas libres florecen alrededor cual tejidos enfermos. El oyente a duras penas puede entender algo, pero la cosa lo va angustiando cada vez más. Hasta que explota todo. Una experiencia casi de otro planeta que prácticamente inventa el futuro. Aún hoy.
#74. South Side Of The Sky - Yes
Album: Fragile (1972).
Letra y música por Jon Anderson & Chris Squire.
Lírica clave: "We seemed from all of eternity".
Para quienes asocian el nombre de Yes con estériles devaneos instrumentales que no apelan a ningún tipo de emoción en el oyente, esta canción puede ser una grata sorpresa. Sucede que, aún durando ocho minutos, es increíblemente compacta para lo que suele ser la música de esta banda inglesa. South Side Of The Sky es algo así como el tema "ramonero" de Yes (si me permiten la infeliz metáfora); va directo al grano y no se empantana en esas complejidades absurdas que suelen tentar a los grupos de rock progresivo. Hasta qué punto esto es una virtud en sí misma es debatible; les habla alguien que en definitiva disfruta con Tales From The Topographic Oceans (uno de los álbumes más destrozados de la historia del rock). Pero en este caso, hasta los más escépticos tendrán que admitir que cuando se focalizaban y se dejaban de joder con barroquismos, los tipos se transformaban en una coalición rockera formidable. Y si no me creen escuchen atentamente como martilla ese inusual riffeo oscuro que toca Steve Howe. O la voz de Anderson, que por una vez logra sonar agresivo en vez de eunuco. Escuchen, escuchen con atención porque pocas veces Yes volvería a rockear con tanta vena a lo largo de su carrera (para no decir nunca más). La letra, además, trata acerca de los inconvenientes de congelarse hasta la muerte entre montañas heladas, una imaginería muy bien resaltada en ese majestuoso puente de piano y armonías vocales. Una de esas canciones de ocho minutos que pasan como si duraran cuatro. Perfecta, diría yo.
#73. Personal Jesus - Depeche Mode
Album: Violator (1991).
Letra y música por Martin Gore.
Lírica clave: "Reach out, touch faith!".
Y el ranking vuelve a recalar en una esas canciones que todo el mundo conoce. ¿Qué pasa? ¿No tiene sufientes buenas canciones Depeche Mode para tener que elegir justo esta? Ok, tendré que ser sincero: sí tienen buenas canciones (muchas), pero ninguna puede realmente compararse con ésta. Todo es perfecto. Es el dance-synth-pop perfecto. Oscura, pero repleta de ganchos memorables; simple, pero meticulosamente producida. A esto quería llegar Dios cuando creó a Kraftwerk y a Ultravox. Lo curioso de mi historia personal con esta canción es que llegué a ella a través de la versión de Marilyn Manson. Cuando escuché la original me llamó poderosamente la atención hasta qué punto los arreglos se basan en el puro ritmo, en una base llena de aire y espacios, sin una sola nota desperdiciada. Y aún así consigue rockear con una vena descomunal que muy pocos grupos de esta onda alcanzan (me vienen a la mente New Order y sus últimos dos álbumes, pero aún ellos tuvieron que incorporar mucha guitarra eléctrica para lograrlo). En todo sentido Personal Jesus es una proeza, una joya irrepetible e inimitable de la música pop, y el testimonio definitivo de que también las bandas electrónicas son capaces de hacer rock, en el sentido más amplio del término.
#72. Just Like Heaven - The Cure
Album: Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987).
Letra y música por Simon Gallup, Robert Smith, Porl Thompson, Laurence Tolhurst & Boris Williams.
Lírica clave: "Show me how you do it and I promise that I'll run away with you".
Uno de los atributos interesantes de The Cure es que así como de pronto podían ser los Señores de la Oscuridad y la Depresión, también eran expertos hacedores de singles pop sumamente pegadizos. Así es que la misma banda capaz de álbumes insoportablemente opresivos como Faith y Pornography, a medidados de la década de los 80 empezó a escribir temas indiscutiblemente "solariegos" como Close To Me, In Between Days, Why Can't I Be You y otros tantos que se convirtieron en clásicos. Entre ellos, el ápice está sin dudas en Just Like Heaven, single extraído del panorámico Kiss Me Kiss Me Kiss Me de 1987. Es más bien difícil explicar porqué me gusta tanto esta canción (por cierto, no soy el único como habrán adivinado). Más allá de esa exuberante introducción, la vocalización impacta más por su desesperada aura romántica que por tener una melodía repleta de ganchos. Y aún así, cuando se la ha escuchado varias veces, esa misma melodía ya nos resulta lo más natural del mundo. Si bien unos años después The Cure lograría una proeza al componer un tema muy similar y aún así igual de bueno (Friday I'm In Love), Just Like Heaven se mantiene incólume como el momento definitivo de The Cure en los 80's y tal vez de toda su carrera.
#71. Mr. Skin - Spirit
Album: The Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus (1970).
Letra y música por Jay Ferguson.
Lírica clave: "Mr. Skin, you know where you've been".
Aparantemente esta canción fue escrita en homenaje a Traffic, una de las bandas favoritas de Jay Ferguson. Si ese es el caso, déjenme decir que Mr. Skin es mucho más ajustada y entretenida que la mayoría de las cosas que hizo Traffic. Con su infernal ritmo de congas y sus trompetas monolíticas, esta memorable pieza - un híbrido de soul y funk ácido - es uno de los highlights absolutos de Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus, el álbum más celebrado de Spirit. Tal es así que incluso les reportó un hit radial de cierta importancia. Spirit es una banda relativamente oscura pero excelente que si bien apareció en la costa oeste de los Estados Unidos a finales de los 60's, nunca estuvo realmente asociada al flower-power ni a la lucha por los derechos civiles. Su mixtura de alta calidad entre psicodelia light, jazz y soul es uno de esos tesoros esperando ser descubiertos. Tal vez con un objetivo evangilizador, hace unos años la cantante pop Pink sampleó Fresh Garbage (un tema del primer álbum de Spirit) para su hit Feel Good Time. De todas maneras, hace falta ser alguien más que Pink para alcanzar la indiscutible potencia que logra Spirit aquí, en Mr. Skin.
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9 comentarios:
1) Con respecto a Portishead, somos dos pelotuditos entonces. Dummy es un discazo, man, no se discute.
2) Roxy Music, qué gran banda, no obstante estoy pensando la review de su psicodélico primer álbum.
3) Te veo medio ambiguo a la hora de hablar del rock progresivo, de Yes en este caso. Como que querés despegar (hablar bien) y terminás bajando varios cambios. No sé. A varios escribas de famosas revistas les diría lo mismo.
Perry, una aclaración: con Yes mi relación siempre fue ambigua e inexplicable, y en eso creo que tu percepción es correcta. Me gustan y ocasionalmente me vuelan la cabeza (como en el tema que presento), pero con frecuencia me cuesta involucrarme afectivamente con gran parte de su música. A veces los siento forzados, me alienan un poco, dicho mal y pronto. Por eso me gusta cuando la hacen simple. De todas formas, insisto, soy de los que DISFRUTAN Tales from Topographic Oceans. Sí, ambigüedad pura, lo admito.
Aún así no soy de tener la misma actitud con el género en su conjunto, con lo cual tu comparación con las "famosas revistas" (que directamente tienen una línea editorial contra el prog) es un poco apresurada (ya verás).
Haber puesto a Dep*che M*de en el Ranking le quita mucha seriedad al mismo. Pero bueh.
El resto cuando lo escuche le comento.
Saludos.
NO se me ande quejando Sir Thomas! Anduve viendo los antecedentes de UPD y aparece Lenny Kravitz por ahí... como decía un tal Jesús: "el que esté libre de pecado que tire la primera piedra".
jajaja... Lenny roba es cierto. Bueno, le doy la mano y quedamos a ídem.
Saludos.
It's a Fire es el tema que menos imaginé en un ranking de este tipo.. habiendo tantos temas en Dummy, o será que quieres descubrir un tema oculto jaja. Es el tema que menos me gusta de Portishead!!!
Esta tirada estuvo buena, mucho mejor que las anteriores. Sabbath Bloody Sabbath es quizás mi tema favorito de Black Sabbath, es que tiene algo, quizás en el fraseo de Ozzy. Es un temón... Que decir del tema de Roxy Music.. pero creo que no pondrás otro más de Roxy,o sí?.. Porque si fuera así, hubiese puesto Mother Of Pearl o A Song For Europe.
Hey Jude es la numer 1? jaja
Qué lamentable que no te guste It's A Fire. Seguro alguna vez la escuchaste en un mall. No quiero descubrir ningún tema oculto, ya el hecho de estar en Dummy le asegura el status clásico.
Con respecto a la tanda mejor que las anteriores; es lógico, pero cuidado que lo mejor está por venir.
Bien, veamos.
#80 - Buen tema para devolverle un poco de credibilidad a los Aerosmith. Un poco exagerado, como la banda misma, pero si debe haber una canción de estos en la lista, no puedo pensar en un mejor tema que este... De hecho, DE VERDAD no puedo: aparte de este (ahora) solo conozco Dream On y Walk this Way. :s
#79 - Definitivamente. Así como existe el cielo y la tierra, esta canción merece estar en cualquier lista que se precie. Es un temazo que no se puede creer.
#78 - Uuh... Golpe bajo... Aún no me repongo de la última vez que intenté escuchar Dummy completo. De las tres veces que lo intenté, no recuerdo haberme detenido demasiado con esta canción, pero así por separado y bajo nuevas luces, me ha gustado.
#77 - Ojalá no sea el único tema de Sabbath en la lista. Paranoid tiene un par de temas que podrían llenar jugosos puestos más adelante. En todo caso, la elección acá me parece más que perfecta.
#76 - No muy seguro con el puesto, pero no niego que es una canción buenísima y el disco igual. Repleto de melodías finísimas por todos lados.
#75 - Que pecado es poner esta cosa tan abajo! La única explicación lógica a la que llego es que hay más temas de los Roxy en la lista y como algunos son TAN buenos, pues no podrían estar muy juntos allá arriba. En todo caso, yo la hubiera puesto al menos en el top 30. Una canción única y original, tétrica, macabra, homicida y Oh! tan genial. Hablando de perfección, está aquí.
#74 - Si! Es mi canción favorita de Yes. Y eso que Fragile no me pega mucho, pero este es un temazo ajustadísimo y brillante. Y rockea! Es para escucharlo a todo volumen y tirar la casa abajo. Este es el tipo de rock progresivo que me fascina.
#73 - Y de nuevo acertadísimo! Violator es un discazo y este insuperable mantra sónico demoledor es mi canción favorita de los bizarros Depeche Mode. Recuerdo que hace tiempo le mostré esta canción a un amigo que es fan de la electrónica tipo trance. Ojalá fuera esta la música electrónica que tanto aprecian y veneran. Esto vuela cabezas sin piedad!.
#72 - Bueno... The Cure... dudo darles una oportunidad en los siguientes 87 años que me quedan, pero al menos puedo decir que este tema está bonito... Creo que ya lo había escuchado en la radio (o en la tele). No sé si merece estar aquí...
#71 - Poco conozco de Spirit a excepción de su ábum debut, que tan amablemente me recomendó mi amigo Jimmy Page. Esta canción está más que buena. Me consigo el disco de inmediato.
Me voy con un buen sabor de boca esta vez. A excepción de algunas indiscreciones ochenteras, esta ha sido la mejor decena (hasta ahora). Claro, nos vamos acercando a lo realmente bueno.
Creo que cometes un error, Personal Jesus es de Johny Cash.
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